WILLIAM DeVAUGHN - BE THANKFUL FOR WHAT YOU GOT

Publicada: març de 1974

Llistes d’èxits: Estats Units: #4

A la primavera de 1974, mentre la música soul arribava a un dels seus cims creatius, un groove tranquil i relaxat sorgí des de Filadèlfia fins a colar-se a la consciència col·lectiva nord-americana. No era una cançó ostentosa, ni portava el nom d’una superestrella, però “Be Thankful for What You Got” de William DeVaughn es va convertir en un himne silenciós per als somiadors de cada dia, venent prop de dos milions de còpies i arribant al número 1 de les llistes R&B i al número 4 del Billboard Hot 100.

La història començà dos anys abans, el 1972, quan DeVaughn —un funcionari de Washington D.C. amb una profunda admiració pel soul de Curtis Mayfield— escrigué una cançó titulada “A Cadillac Don’t Come Easy”. Amb només 900 dòlars estalviats, va finançar una maqueta sota un acord de desenvolupament. Aquella gravació el portaria fins als estudis Omega Sound de Filadèlfia, llar dels llegendaris MFSB, músics que definien el so “Philly soul”.

La sessió va cobrar vida amb figures de pes: Norman Harris a la guitarra, Earl Young a la bateria, Vince Montana al vibràfon, Rusty Jackman al baix i Larry Washington a les percussions. Allan Felder, coordinador de la sessió, va aportar-hi també un cor gospel amb la veu de la seva germana. Els teclats elèctrics brillants de John Davis i la producció de Frank Fioravanti van completar un conjunt que finalment va ser editat pel segell Roxbury Records, liderat pel productor d’èxits Wes Farrell.

Quan la cançó va arribar a les ones, molts oients la van confondre amb un tema de Curtis Mayfield —i amb raó. La seva lletra socialment conscient, les harmonies en falset i el ritme suau recordaven l’optimisme realista de Mayfield. Però la veu era la de DeVaughn, i el seu missatge era clar i motivador:

“Though you may not drive a great big Cadillac, diamond in the back, sunroof top, diggin’ the scene with a gangster lean… be thankful for what you got.”

(Encara que no condueixis un Cadillac enorme, amb diamant al darrere i sostre solar, vivint l’escena amb estil de gàngster… agraeix el que tens.)

La cançó celebrava l’orgull sense pretensions, la dignitat sense riquesa. Tot i que la segona meitat instrumental era llarga, les emissores de ràdio es van centrar en la versió vocal editada. Les emissores gospel la van adoptar pel seu missatge moral, i el públic R&B la va fer seva per la sinceritat i connexió emocional que transmitia.

El 1991, Massive Attack en va fer una versió respectuosa i fosca, “Be Thankful for What You’ve Got”, inclosa al seu àlbum debut “Blue Lines”. Amb un so trip-hop emergent, la cançó tornava a ressorgir, adaptant-se a nous temps sense perdre el seu cor. La versió fou més coneguda dins l’EP del grup i també es va remesclar per Paul Oakenfold.

Una cançó sobre l’agraïment, el somni urbà i la dignitat quotidiana, “Be Thankful for What You Got” continua sent un recordatori suau però poderós que el valor personal no ve determinat pel que tens, sinó per com ho vius.

WILLIAM DeVAUGHN - BE THANKFUL FOR WHAT YOU GOT

Released: March 1974

Charts:  US: #4 

In the spring of 1974, as soul music reached one of its richest creative peaks, a laid-back groove rolled out of Philadelphia and into America’s consciousness. It wasn’t flashy, and it didn’t boast a superstar name—but “Be Thankful for What You Got” by William DeVaughn became a quiet anthem for the everyday dreamer, selling nearly two million copies and reaching No. 1 on the US R&B chart and No. 4 on the Billboard Hot 100.

The song’s journey began two years earlier, in 1972, when DeVaughn, a Washington D.C. government employee with a deep love of Curtis Mayfield-style soul, penned a tune he called “A Cadillac Don’t Come Easy.” Inspired by themes of spiritual humility and material aspiration, he scraped together $900—no small sum—to record a demo under a development deal. That session would eventually land him at Omega Sound in Philadelphia, home to the renowned MFSB studio musicians who gave the city its signature sound.

The session came alive with the touch of Philly soul royalty: guitarist Norman Harris, drummer Earl Young, vibraphonist Vince Montana, bassist Rusty Jackman, and percussionist Larry Washington—all under the coordination of Allan Felder, who brought in his sister’s choir to handle the gospel-inflected backing vocals. John Davis added shimmering electric keys, and a producer named Frank Fioravanti helped secure a release deal through Roxbury Records, run by hitmaker Wes Farrell.

When “Be Thankful for What You Got” hit the airwaves, many listeners mistook it for a Curtis Mayfield cut—and not without reason. Its socially conscious lyrics, falsetto harmonies, and mellow groove echoed Mayfield’s optimism with urban realism. But the voice belonged to DeVaughn, delivering a message both grounded and transcendent: “Though you may not drive a great big Cadillac, diamond in the back, sunroof top, diggin’ the scene with a gangster lean… be thankful for what you got.”

The song’s message celebrated pride without pretension, dignity without wealth. Though its instrumental second half ran long, radio stations favored the vocal portion, which was edited for single release. Gospel stations played it for its moral core, while R&B audiences loved its relatable message.

In 1991, Massive Attack included a respectful and moody cover—retitled “Be Thankful for What You’ve Got”—on their landmark debut “Blue Lines”, blending the song’s soul roots with trip-hop’s evolving textures. Though never a major commercial single, their version found a home on the Massive Attack EP and was later remixed by Paul Oakenfold.

NINA SIMONE - MY BABY JUST CARES FOR ME

Publicació: 1959

Llistes: Regne Unit: #5

“My Baby Just Cares for Me” és un estàndard de jazz de 1930, escrit originalment per Walter Donaldson i Gus Kahn per a la comèdia musical Whoopee! —on va ser interpretat per primera vegada per Eddie Cantor. Quan Nina Simone va entrar a l’estudi a finals de 1957 per enregistrar el seu àlbum debut “Little Girl Blue”, no podia imaginar que la seva versió d’aquesta cançó acabaria definint la seva carrera tres dècades més tard.

Durant anys, la peça va romandre en l’oblit. Simone va continuar el seu camí, consolidant-se com una artista ferotgement original, que abastava jazz, música clàssica, soul i cançó de protesta. “My Baby Just Cares for Me” quedava a l’arxiu, més aviat com una curiositat que no pas com una obra de referència.

Tot va canviar el 1987. La cançó va ser triada per a un anunci de televisió britànic del perfum Chanel No. 5. El seu encant lleuger combinat amb la veu vellutada de Simone, va captivar la imaginació d’una nova generació. De sobte, una peça gairebé oblidada va renéixer com a èxit. Charly Records la va reeditar com a single, i el 31 d’octubre de 1987 va entrar a les llistes del Regne Unit. Al desembre ja havia arribat al número 5, convertint-se en un dels majors èxits de Simone —gairebé vint anys després de la seva darrera entrada a les llistes. A Europa, l’èxit encara va ser més gran: va encapçalar el Dutch Top 40 i va entrar al Top 10 de diversos països.

Però Simone, sempre inflexible, no es va conformar amb aquesta revifalla tardana. Segons va declarar a la revista NME, no havia rebut cap benefici per l’ús de la cançó a l’anunci de Chanel, i es va indignar perquè les discogràfiques, un cop més, s’havien aprofitat d’ella: “Van anar d’amagat i es van robar les unes a les altres com si jo fos una esclava. Em van agafar i em van vendre d’una discogràfica a una altra perquè no sabien com tractar-me obertament!”

La redescoberta de la cançó també va arribar a través de les imatges. Per a la reedició de 1987, Aardman Animations —l’estudi que més tard crearia Wallace & Gromit— va produir un videoclip de claymation dirigit per Peter Lord. S’hi mostrava una gata sensual cantant al piano d’un club nocturn, adorada per un pretendent enamorat. El vídeo alternava figures de plastilina amb primers plans reals de tecles de piano, escombretes de caixa i contrabaix, recreant la intimitat fumosa de la pròpia cançó. Divertit, surrealista i estilitzat, va portar Simone a les pantalles de MTV d’una manera inèdita fins aleshores.

Així, un enregistrament fet gairebé de pressa —gravat al final d’una maratoniana sessió d’estudi el 1957— es va convertir en l’himne inesperat de Simone als anys vuitanta. Va reintroduir-la a un públic massa jove per conèixer les seves cançons de protesta dels seixanta i va assegurar el seu lloc en la imaginació cultural com no només una veu radical, sinó també una estilista atemporal.

NINA SIMONE - MY BABY JUST CARES FOR ME

Released: 1959

Charts:  UK: #5 

“My Baby Just Cares for Me”, it’s a jazz standard from 1930, originally written by Walter Donaldson and Gus Kahn for the musical comedy Whoopee!—where it was first performed by Eddie Cantor. When Nina Simone stepped into the studio in late 1957 to record her debut album “Little Girl Blue”, she couldn’t have guessed that her cover of the song would end up defining her career three decades later. 

For years, the track remained obscure. Simone herself moved on, building a reputation as a fiercely original artist, spanning jazz, classical, soul, and protest music. “My Baby Just Cares for Me” sat quietly in the catalog, more an artifact than a signature piece.

Then, in 1987, everything changed. The song was chosen for a UK television commercial for Chanel No. 5 perfume. Its light, swinging charm and Simone’s velvety phrasing captured the imagination of a new generation. Almost overnight, a forgotten album track was reborn as a hit. Charly Records re-released it as a single, and on October 31, 1987, it entered the UK Singles Chart. By December it had peaked at No. 5, making it one of Simone’s biggest hits—nearly twenty years after her last chart entry. Across Europe, the success was even bigger: the track topped the Dutch Top 40 and cracked the top ten in multiple countries.

But Simone, ever uncompromising, wasn’t content to bask in this late-career revival. According to NME, she claimed she received no royalties from the Chanel ad, seething that record companies had once again exploited her: “They went behind my back and stole from each other like I was a slave. They took me and sold me from one record company to another because they couldn’t deal with me openly!”

If the charts rediscovered the song, so too did visuals. To accompany the 1987 re-release, Aardman Animations—the studio that would later create Wallace & Gromit—produced a whimsical claymation video, directed by Peter Lord. It featured a sultry, singing cat at a nightclub piano, adored by a love-struck admirer. The video alternated between clay figures and live-action close-ups of piano keys, snare brushes, and double bass, mirroring the smoky intimacy of the song itself. Playful, surreal, and stylish, it brought Simone to MTV audiences in a way she never had been before.

Thus, a recording born in haste—laid down at the end of a marathon studio session in 1957—became Simone’s unlikely anthem in the late 1980s. It reintroduced her to listeners too young to know her protest songs of the 1960s and secured her place in the pop-cultural imagination as not only a radical voice but also a timeless stylist.

DOROTHY MOORE - MISTY BLUE

Publicació: novembre de 1975

Llistes: Regne Unit: #5 · EUA: #3

“Misty Blue” va néixer a Nashville el 1966, escrita per Bob Montgomery —un veterà compositor de country i antic company d’institut de Buddy Holly. Originalment destinada a Eddy Arnold, va tenir un èxit modest dins del món country, però al llarg de la dècada següent la melodia va vagar per diferents gèneres: versionada per Ella Fitzgerald, amb un gir soul de Joe Simon el 1972, i a l’espera de la interpretació que la faria inoblidable.

Aquesta interpretació va arribar el 1973, gairebé per atzar. Dorothy Moore, originària de Jackson (Mississippi) i exmembre del grup femení The Poppies, va ser cridada als estudis Malaco pel director del segell, Tommy Couch. Ell recordava la versió de Joe Simon i pensava que la cançó podria ser perfecta per a Moore. Ella va arribar amb autobús, va escoltar la demo i va decidir provar-ho. Amb la secció rítmica ja gravada, va cantar la lletra directament d’un full mecanografiat. En les seves pròpies paraules: “Vam fer aquell enregistrament en una sola presa. ‘Misty Blue’ estava destinada a mi.”

Però el destí la va fer esperar. Malaco no va publicar l’enregistrament de seguida —les discogràfiques el van rebutjar i la cançó va romandre inèdita durant gairebé tres anys. A finals de 1975, amb els diners gairebé exhaurits, el petit segell independent finalment la va editar pel seu compte. Abans de la publicació, Moore hi va afegir la ja icònica introducció sospirant —“mmmm-ooh-a-ooh”— per escurçar un començament que trobava massa llarg. El guitarrista Jimmy Johnson, de la Muscle Shoals Rhythm Section, també hi va sobregravar algunes línies subtils. Amb aquests últims retocs, “Misty Blue” va renéixer.

El single va començar amb discreció, obrint-se camí primer a Chicago i Washington, D.C., abans d’estendre’s pel Sud a principis de 1976. A l’estiu, era innegable: #3 al Billboard Hot 100, #2 a la llista R&B, #14 a Adult Contemporary, i una nominació als Grammy per coronar l’èxit. Fora dels Estats Units, el senzill va triomfar internacionalment: #5 al Regne Unit, #4 al Canadà i Nova Zelanda, #5 a Austràlia i Top 20 a Sud-àfrica.

El que va fer tan popular la versió de Moore no va ser només el seu to càlid i bluesy, sinó la manera com transmetia alhora força i vulnerabilitat en cada frase. Allà on les versions anteriors sonaven massa polides o insegures, el “Misty Blue” de Moore bategava amb experiència. Semblava que havia viscut dins la cançó.

Per a Dorothy Moore, que havia passat anys en una relativa obscuritat des de la seva etapa amb The Poppies, l’èxit de “Misty Blue” va ser transformador. Es va convertir en el seu èxit definitiu i, tot i que va enregistrar altres temes destacats, cap no arribaria al mateix nivell. Als cors hi figurava la seva antiga companya de grup Fern Kinney, que més endavant aconseguiria un #1 al Regne Unit el 1980 amb “Together We Are Beautiful”.

DOROTHY MOORE - MISTY BLUE

Released: November 1975

Charts:  UK: #5   US: #3 

“Misty Blue” was born in Nashville in 1966, written by Bob Montgomery—a seasoned country songwriter and former high school singing partner of Buddy Holly. Intended originally for Eddy Arnold, it became a modest hit in the country world, but over the next decade the tune wandered through genres: covered by Ella Fitzgerald, given a soulful twist by Joe Simon in 1972, and waiting for the interpretation that would make it unforgettable.

That interpretation came in 1973, almost by chance. Dorothy Moore, a Jackson, Mississippi native and former member of the girl group The Poppies, was called into Malaco Studios by label head Tommy Couch. Couch had remembered the Joe Simon version and thought the song might be perfect for Moore. She arrived by bus, listened to the demo, and decided to give it a try. With the rhythm section already in place, she sang the lyrics straight off a typed sheet. In her words: “We did that record in one take. ‘Misty Blue’ was meant for me.”

But fate made her wait. Malaco didn’t release the recording right away—labels passed on it, and the track sat unreleased for nearly three years. By late 1975, with money running out, the small independent finally pressed the record themselves. Before release, Moore added the now-iconic sighing intro—“mmmm-ooh-a-ooh”—to shorten what she thought was a too-long opening. Guitarist Jimmy Johnson of the Muscle Shoals Rhythm Section also overdubbed some subtle lines. With those finishing touches, “Misty Blue” was reborn.

The single began humbly, breaking first in Chicago and Washington, D.C., before spreading across the South in early 1976. By summer, it was undeniable: #3 on the Billboard Hot 100, #2 on the R&B chart, #14 on Adult Contemporary, and a Grammy nomination to crown its success. Beyond the US, the single became an international smash—#5 in the UK, #4 in Canada and New Zealand, #5 in Australia, and a Top 20 hit in South Africa.

What made Moore’s version so popular wasn’t just her warm, bluesy vocal tone, but the way she carried both strength and vulnerability in every phrase. Where earlier renditions were polished or tentative, Moore’s “Misty Blue” ached with experience. It sounded like she had lived inside the song.

For Dorothy Moore, who had spent years in relative obscurity since her time with The Poppies, the success of “Misty Blue” was transformative. It became her defining hit, and though she recorded other strong tracks, none would match its reach. On backing vocals was her former bandmate Fern Kinney, who herself would later score a UK #1 in 1980 with “Together We Are Beautiful”.

DENNIS EDWARDS - DON’T LOOK ANY FURTHER

Publicació: 3 d’abril de 1984

Llistes: Regne Unit: #45 · EUA: #72

A la primavera de 1984, el veterà de Motown Dennis Edwards es va apartar de les llegendàries harmonies dels The Temptations per fer la seva pròpia carrera. “Don’t Look Any Further”, un duet amb la llavors emergent Siedah Garrett, no va ser un gran èxit a la ràdio pop, però el seu ritme hipnòtic i les seves textures worldbeat la van convertir en una peça destacada del R&B. Produïda per Dennis Lambert i coescrita amb Franne Golde i Duane Hitchings, la cançó va arribar al núm. 2 de la llista Billboard Black Singles i al núm. 72 del Hot 100, mentre que al Regne Unit va escalar fins al núm. 45.

“Don’t Look Any Further” és una invitació suau i seductora: Edwards assegurant a la seva parella que no ha de mirar més enllà d’ell per trobar amor o devoció. El seu element més distintiu, però, el va aportar el llegendari baixista de sessió Nathan East, amb una línia profunda i sinuosa que es convertiria en un dels motius més versionats i samplejats de la música moderna. Només tres anys després, Eric B. & Rakim van construir el seu clàssic de hip-hop “Paid in Full” sobre aquest mateix baix, desencadenant una onada de samplers i reinterpretacions al llarg dels vuitanta i noranta.

Edwards aportava anys d’experiència a la interpretació. Després de substituir David Ruffin als Temptations el 1968, havia liderat temes clàssics com “I Can’t Get Next to You” i “Cloud Nine”. El 1983 va deixar el grup per gravar el seu àlbum debut en solitari, amb “Don’t Look Any Further” com a tema principal i primer single —que acabaria sent el seu èxit més gran en solitari.

La gravació va ser peculiar. La part vocal femenina estava pensada inicialment per a Chaka Khan, però els compromisos nadalencs la van fer indisponible. Garrett, que havia estat enregistrant demos per a Golde i Lambert després d’impressionar Quincy Jones en una audició, va posar la veu guia que va agradar tant Edwards que va voler mantenir-la a la versió definitiva. Fins i tot va insistir que fos acreditada com a artista convidada, donant-li un valuós impuls a la seva carrera. Més endavant, Garrett faria duet amb Michael Jackson a “I Just Can’t Stop Loving You” i coescriuria el seu èxit “Man in the Mirror”.

Un detall divertit s’amaga al pont de la cançó: unes frases cantades en un suahili lliure, “Day-o day-o, mombajee ai-o”, evocant el sabor global del “All Night Long” de Lionel Richie.

El 1993, el grup britànic de dance M People va reinventar “Don’t Look Any Further”, amb Heather Small en el paper d’Edwards i Mark Bell en el de Garrett. La seva versió, fidel però adaptada a la pista de ball, va arribar al núm. 9 de la llista de singles del Regne Unit.

DENNIS EDWARDS - DON’T LOOK ANY FURTHER

Released: April 3, 1984

Charts:  UK: #45  US: #72 

In the spring of 1984, Motown veteran Dennis Edwards stepped away from the legendary harmonies of The Temptations to make his own statement — and he did it with a bassline that would ripple through music history. “Don’t Look Any Further”, a duet with the then-rising Siedah Garrett, wasn’t a massive crossover hit on pop radio, but its hypnotic groove and worldbeat textures made it an instant R&B standout. Produced by Dennis Lambert and co-written with Franne Golde and Duane Hitchings, the track climbed to No. 2 on the Billboard Black Singles chart and No. 72 on the Hot 100, while peaking at No. 45 in the UK.

The song is a smooth, seductive invitation — Edwards reassuring his partner that she needn’t look beyond him for love or devotion. Its most distinctive element, however, came from session bass legend Nathan East, whose deep, sinuous bassline became one of the most borrowed motifs in modern music. Just three years later, Eric B. & Rakim built their hip-hop landmark “Paid in Full” on that groove, sparking a wave of samples and interpolations throughout the late ’80s and ’90s.

Edwards brought years of experience to the performance. After replacing David Ruffin in The Temptations in 1968, he had taken lead on classics like “I Can’t Get Next to You” and “Cloud Nine.” By 1983, he had stepped away from the group to record his debut solo album, with “Don’t Look Any Further” as the title track and first single — ultimately his biggest solo success.

The recording almost turned out differently. The female vocal part was originally intended for Chaka Khan, but scheduling conflicts around the holidays made her unavailable. Garrett, who had been demoing songs for Golde and Lambert after impressing Quincy Jones in an audition, recorded a guide vocal that Edwards loved so much he kept it for the finished track. He even insisted she be credited as a featured artist, giving her a valuable career boost. Garrett would go on to duet with Michael Jackson on “I Just Can’t Stop Loving You” and co-write his hit “Man in the Mirror.”

A playful surprise hides in the song’s bridge — a few lines sung in loose Swahili, “Day-o day-o, mombajee ai-o,” echoing Lionel Richie’s “All Night Long” in its global flavor. 

In 1993, British dance group M People reimagined “Don’t Look Any Further”, with Heather Small taking Edwards’ role and bandmate Mark Bell singing Garrett’s part. Their faithful yet club-ready version reached No. 9 on the UK Singles Chart.