BON JOVI – I’LL BE THERE FOR YOU

Publicació: febrer de 1989

Posicions a les llistes: EUA: #1 (1 setmana)  Regne Unit: #18

Bon Jovi va publicar “I’ll Be There for You” com el tercer senzill del seu àlbum “New Jersey” de 1988 al febrer del 1989. Escrita per Jon Bon Jovi i Richie Sambora, aquesta poderosa power ballad va connectar profundament amb els fans d’arreu del món. En el moment de la seva sortida, la cançó va pujar fins al número 1 del Billboard Hot 100 i al número 5 de la llista Album Rock Tracks, consolidant el grup al cim de la seva fama.

“I’ll Be There for You” exemplifica a la perfecció el so de glam metal i rock d’estadi que va dominar a finals dels anys vuitanta. Va ser el quart número 1 de la carrera de Bon Jovi i el segon single de “New Jersey” que arribava al capdamunt de les llistes, després de “Bad Medicine”. En aquell moment, tant la banda com el gènere es trobaven al seu cim, omplint estadis i dominant les ones de ràdio amb la mateixa força.

El tema central —la devoció incondicional— pot semblar previsible, però en mans de Bon Jovi adquireix un to gairebé transcendent. A diferència d’altres cançons amb el mateix títol, aquí la promesa va més enllà de l’amistat o el suport emocional: el narrador està disposat a viure i morir per amor, a “robar el sol del cel” i “respirar l’aire” per l’estimada. Tot i la grandesa de la tornada, sota la superfície hi batega una història de pèrdua i desesperança. La persona estimada l’ha deixat —una altra vegada— i ell suplica una nova oportunitat. La sinceritat és absoluta, però també hi ha una ombra de desesperació: potser ni tan sols l’amor és prou fort per guarir les ferides.

La química compositiva entre Jon Bon Jovi i Richie Sambora torna a brillar amb intensitat. Junts, van escriure la majoria dels grans èxits del grup, equilibrant emoció d’estadi amb vulnerabilitat íntima. Les veus de suport de Sambora afegeixen profunditat emocional, actuant gairebé com un cor grec, repetint i reforçant les súpliques de Jon amb una calidesa que ja era marca registrada de Bon Jovi. “No pot cantar com Jon”, deien els crítics, “però la seva veu el completa.”

Amb 5 minuts i 43 segons, “I’ll Be There for You” va ser la cançó més llarga que va arribar al número 1 l’any 1989 —una raresa en una època dominada per cançons breus i pensades per a la ràdio. Bon Jovi no tenia por de deixar que les seves cançons respiréssin, permetent que l’emoció i la melodia creixessin de manera natural. El single següent, “Lay Your Hands on Me”, encara allargaria més aquesta fórmula, fregant els sis minuts i mantenint la banda al capdavant del rock radiofònic fins ben entrat l’estiu del 1989.

El videoclip, dirigit per Wayne Isham, reflecteix perfectament la intensitat melancòlica de la cançó. Amb el grup tocant sobre un escenari fosc banyat en llum blava, la peça evita l’excés d’efectes visuals i aposta per la força emocional i el carisma. Els primers plans de Jon Bon Jovi sostenen gran part del pes dramàtic, mentre que Richie Sambora —curiosament— roman sovint a les ombres. A mitja peça, el vídeo passa al blanc i negre amb imatges gravades en directe al Wembley Arena de Londres, fusionant de manera fluida la intimitat de l’estudi amb l’energia col·lectiva dels seus concerts.

BON JOVI - I’LL BE THERE FOR YOU

Released: February 1989

Chart Peak: US: #1 (1 week)  UK: #18 

Bon Jovi released “I’ll Be There for You” as the third single from their 1988 album “New Jersey” on February 1989. Written by Jon Bon Jovi and Richie Sambora, the soaring power ballad struck a chord with fans worldwide. Upon its release, it climbed to No. 1 on the Billboard Hot 100 and No. 5 on the Billboard Album Rock Tracks chart. At this moment Bon Jovi are at the pinnacle of their fame. 

“I’ll Be There for You” exemplifies the glam metal and arena rock sound that dominated the late 1980s. It became the fourth No. 1 single of the band’s career and their second chart-topper from the “New Jersey” album, following “Bad Medicine.” At the time, both Bon Jovi and the glam metal genre were at their zenith, commanding stadiums and airwaves with equal force.

The song’s theme of unwavering devotion is hardly groundbreaking — but in Bon Jovi’s hands, it becomes something transcendent. Where other “I’ll be there for you” songs promise friendship and emotional support, Bon Jovi’s declaration borders on the divine: he will live and die for love, steal the sun from the sky, and breathe the air for his beloved. Beneath the anthem’s passionate chorus, however, lies a story of heartbreak and longing. The narrator’s lover has left him — again — and he’s begging for one more chance. His sincerity is undeniable, yet there’s a hint of desperation. The lyrics suggest that love’s gravitational pull may not be enough to heal the wounds between them.

Jon Bon Jovi and Richie Sambora’s songwriting chemistry once again shines through. The duo, who wrote most of the band’s biggest hits together, crafted a song that balanced arena-scale emotion with intimate vulnerability. Sambora’s backing vocals add emotional depth, functioning almost like a Greek chorus — echoing Jon’s pleas and confessions with a soulful contrast that became a Bon Jovi trademark. “He can’t sing like Jon,” critics often noted, “but his voice completes him.”

At 5 minutes and 43 seconds, “I’ll Be There for You” was the longest song to reach No. 1 on the charts in 1989 — a rarity in an era of radio-friendly brevity. Bon Jovi wasn’t afraid to let their songs breathe, allowing emotion and melody to build naturally. The band’s follow-up single, “Lay Your Hands on Me”, pushed that even further at nearly six minutes long, ensuring Bon Jovi’s dominance on rock radio well into the summer of 1989.

The music video, directed by Wayne Isham, perfectly captures the song’s moody intensity. Set against a dark stage bathed in cool blue light, the band performs the song with minimal theatrics — relying instead on raw emotion and charisma. Jon Bon Jovi’s expressive close-ups carry much of the visual weight, while Richie Sambora, curiously, remains cloaked in shadow for most of the video, adding a touch of mystery. Midway through, the clip transitions into black-and-white concert footage shot at London’s iconic Wembley Arena, seamlessly blending the band’s live energy with the studio’s intimacy.

ALICIA KEYS – FALLIN’

Publicada: 28 de març de 2001

Llistes: Regne Unit: #3 · EUA: #1 (6 setmanes)

“Fallin’” va presentar Alicia Keys al món l’any 2001 com un talent únic: una pianista formada en música clàssica, una cantant de soul amb una profunditat atemporal i una compositora capaç de mostrar vulnerabilitat sense por. Escrita i produïda per la mateixa Keys amb només 17 anys, la cançó es va convertir en el single principal del seu àlbum de debut “Songs in A Minor” i ràpidament en la seva peça més emblemàtica. Va arribar al número 1 del Billboard Hot 100 als Estats Units, va encapçalar les llistes de Nova Zelanda, els Països Baixos i Flandes, i va entrar al Top 10 de nombrosos països. Als 44ns Premis Grammy, va guanyar tres guardons: Cançó de l’any, Millor cançó R&B i Millor interpretació vocal femenina R&B.

La cançó s’obre amb una figura pianística inspirada en Chopin, un homenatge als compositors que Keys havia estudiat des de petita. Nascuda Alicia Augello-Cook, va adoptar “Keys” com a nom artístic, tant pel seu simbolisme amb el piano com per expressar la seva identitat creativa. Després de signar amb Columbia Records als 16 anys, es va trobar atrapada en la visió comercial del segell i va decidir marxar-ne, trobant més endavant la llibertat artística que necessitava amb J Records, de Clive Davis. “Fallin’” va ser la recompensa: una cançó que combinava influències clàssiques, tocs de gospel i ritmes R&B en una fusió completament personal.

La lletra reflecteix la turbulència del primer amor —exhilarant, confús i absorbent. “El primer t’afecta encara més, perquè no tens l’experiència per saber com gestionar-ho”, explicava Keys. El moviment de pujades i baixades emocionals de l’amor troba expressió en la tornada de la cançó, un cicle de devoció i frustració. Escriure-la la va ajudar a navegar la seva pròpia relació juvenil, fent que la peça fos tant una forma de teràpia com d’art.

El videoclip dramatitza aquest conflicte, mostrant Keys visitant el seu amant a la presó. Inspirat en la història real de Santra Rucker —condemnada a 13 cadenes perpètues consecutives pel tràfic de drogues del seu xicot—, el clip subratlla la resiliència de l’amor fins i tot sota circumstàncies devastadores. Inicialment, Keys volia interpretar ella mateixa el paper de la presonera, però el segell discogràfic s’hi va oposar, preferint destacar la seva presència com a nova estrella emergent.

ALICIA KEYS - FALLIN’

Released: March 28, 2001

Charts:  UK: #3   US: #1 (6 weeks)

“Fallin’” announced Alicia Keys to the world in 2001 as a singular talent: a classically trained pianist, a soul singer with timeless depth, and a songwriter unafraid to expose vulnerability. Written and produced by Keys at just 17, the track became the lead single from her debut album “Songs in A Minor” and quickly her signature song. It soared to No. 1 on the US Billboard Hot 100, topped charts in New Zealand, the Netherlands, and Flanders, and landed in the Top 10 across multiple countries. At the 44th Annual Grammy Awards, it won three trophies—Song of the Year, Best R&B Song, and Best Female R&B Vocal Performance.

The track opens with a Chopin-inspired piano figure, a nod to the composers Keys grew up studying. Born Alicia Augello-Cook, she adopted “Keys” as her stage name, both for its piano symbolism and as a signal of her creative identity. Having signed to Columbia Records at 16, she struggled under the label’s commercial vision and walked away, later finding the freedom she needed under Clive Davis’ J Records. “Fallin’” was the payoff: a song that blended classical influences, gospel flourishes, and R&B rhythms into something wholly her own.

Lyrically, it reflected the turbulence of first love—exhilarating, confusing, and consuming. “Your first one affects you even more so because you don’t have the experience to know how to play it,” Keys explained. The push and pull of love’s highs and lows found expression in the song’s refrain, a cycle of devotion and frustration. Writing it helped her navigate her own young relationship, making the song as much a form of therapy as of artistry.

The music video dramatized that struggle, with Keys visiting a lover behind bars. Inspired by the story of Santra Rucker—sentenced to 13 consecutive life terms due to her boyfriend’s drug dealing—the clip underscored the resilience of love even under crushing circumstances. Keys initially wanted to play the imprisoned character herself, but the label pushed back, opting instead to highlight her presence as a rising star.

BEYONCÉ – SINGLE LADIES (PUT A RING ON IT)

Publicada: 8 d’octubre de 2008

Llistes: Regne Unit: #1 · EUA: #3

“Single Ladies (Put a Ring on It)” es va convertir en una de les cançons més emblemàtiques de Beyoncé, un himne d’empoderament que difuminava la línia entre la música pop i el manifest cultural. Publicada el 8 d’octubre de 2008 com a doble cara A amb “If I Were a Boy”, del seu tercer àlbum “I Am… Sasha Fierce”, la cançó mostrava les dues cares de la seva personalitat artística: la cantant introspectiva de balades i l’alter ego atrevit Sasha Fierce. Mentre “If I Were a Boy” explorava els rols de gènere i la desconnexió emocional, “Single Ladies” era incendiària i assertiva, animant les dones a exigir compromís —o a seguir endavant.

Escrita per Beyoncé, The-Dream, Kuk Harrell i Tricky Stewart, la cançó es basa en un ritme percussiu i minimalista creat pel mateix equip que va produir “Umbrella” de Rihanna. The-Dream va revelar que la inspiració provenia en part de la pròpia vida de Beyoncé: s’havia casat amb Jay-Z només uns mesos abans, l’abril de 2008, però a través del seu alter ego Sasha projectava la veu d’una dona que no té por d’allunyar-se si la seva parella no vol comprometre’s. La frase “If you like it then you should’ve put a ring on it” (“Si t’agrada, li hauries d’haver posat un anell”) es va convertir alhora en burla i consigna, una tornada pop que va sonar tant a les pistes de ball com als casaments.

La cançó va guanyar tres premis Grammy el 2010, incloent-hi Cançó de l’any. Però gran part del seu llegat cultural prové del videoclip. Dirigit per Jake Nava, el clip en blanc i negre mostrava Beyoncé amb dues ballarines en una coreografia ajustada inspirada en el número Mexican Breakfast de Bob Fosse dels anys seixanta. Beyoncé hi combinava aquella precisió retro amb el J-setting, un estil arrelat en els moviments de les bandes de majorets del sud dels Estats Units, creant una actuació hipnòtica que posava l’accent en el ritme, la repetició i l’actitud.

El vídeo, famós per haver estat rodat amb un pressupost mínim —ja que gran part dels diners s’havien destinat a “If I Were a Boy”—, es va convertir en una sensació d’internet. La seva simplicitat era la seva força: milers de fans (i celebritats) van penjar les seves pròpies imitacions a YouTube, impulsant-lo cap a la cultura del meme molt abans que existís TikTok. La mateixa Beyoncé va admetre que mai hauria imaginat que acabaria desencadenant tot un moviment.

BEYONCÉ - SINGLE LADIES (PUT A RING ON IT)

Released: October 8, 2008

Charts:  UK: #1   US:3 

“Single Ladies (Put a Ring on It)” became one of Beyoncé’s defining songs, an anthem of empowerment that blurred the line between pop music and cultural manifesto. Released on October 8, 2008, as a double A-side with “If I Were a Boy” from her third album “I Am… Sasha Fierce”, it showcased the two sides of her artistry: the introspective ballad singer and the bold alter ego Sasha Fierce. Where “If I Were a Boy” examined gender roles and emotional disconnect, “Single Ladies” was fiery and declarative, urging women to demand commitment—or move on.

Written by Beyoncé, The-Dream, Kuk Harrell, and Tricky Stewart, the track rides a minimalist, percussive beat from the same duo who produced Rihanna’s “Umbrella.” The-Dream revealed that the inspiration came partly from Beyoncé’s own life: she had married Jay-Z just months before, in April 2008, but in her Sasha persona, she projected the voice of a woman unafraid to walk away if her partner refused to commit. “If you like it then you should’ve put a ring on it” became both a taunt and a rallying cry, a pop refrain that cut across dance floors and weddings alike.

The song won three Grammy Awards in 2010, including Song of the Year. But much of its cultural staying power came from the video. Directed by Jake Nava, the black-and-white clip featured Beyoncé with two dancers in a tightly choreographed routine inspired by Bob Fosse’s 1960s number Mexican Breakfast. Beyoncé blended that retro precision with J-setting, a style rooted in Southern drill team movements, creating a stark but hypnotic performance that emphasized rhythm, repetition, and attitude.

The video, famously shot on a shoestring budget after money had gone into “If I Were a Boy,” became an internet sensation. Its simplicity was its power: thousands of fans (and celebrities) uploaded their own imitations to YouTube, propelling it into meme culture long before TikTok. Beyoncé herself admitted she never imagined it would spark a movement.

GRACE JONES – LA VIE EN ROSE

Publicada: octubre de 1977

Àlbum: Portfolio

Poques cançons porten el pes d’una signatura com “La Vie en rose” d’Édith Piaf. Escrita el 1945, mentre Europa emergia de la destrucció de la Segona Guerra Mundial, la cançó irradiava esperança i tendresa. La veu dolça i trèmula de Piaf convertia l’amor en un filtre a través del qual el món es podia veure tenyit de tons rosats. Publicada el 1947, es va convertir en el seu himne personal —una cançó que condensava tant la fragilitat com la resiliència de la França de postguerra.

L’any 1950, “La Vie en rose” ja havia creuat l’Atlàntic: només aquell any, almenys set versions diferents van entrar a les llistes dels Estats Units. Tony Martin, Bing Crosby, Dean Martin, Louis Armstrong —tots en van fer la seva pròpia lectura. La versió d’Armstrong, especialment, va donar a la chanson un toc inconfusible de jazz.

Tres dècades més tard, una veu radicalment diferent la faria seva de nou. El 1977, Grace Jones —aleshores una model jamaicana acabada de fitxar per Island Records— va enregistrar “La Vie en rose” per al seu àlbum de debut “Portfolio”. Mentre que la versió de Piaf flotava amb sinceritat romàntica, Jones la va reinventar com una bossa nova lenta i sensual, allargant les frases melòdiques fins a transformar la cançó en una peça hipnòtica i moderna. La seva interpretació no era irònica, però sí arriscada: una metamorfosi d’una torch song d’època de guerra en un tema d’avantguarda disco amb elegància sofisticada.

El single, publicat a finals de 1977, es va convertir en el primer gran èxit internacional de Jones. A França i Itàlia va aconseguir el disc d’or; al Regne Unit va arribar al número 12 quan es va reeditar el 1985 com a doble cara A amb el seu himne funk “Pull Up to the Bumper”. A Espanya i Mèxic, es va promocionar amb picardia sota el títol “La Vida en Rosa”, tot i que Jones mai no en va gravar una versió en castellà.

La mateixa Jones va reconèixer que la cançó era profundament personal: “És una cançó molt especial per a mi. Oh Déu, ploro cada vegada que la canto. Vaig tenir uns quants amants francesos, així que cada vegada que la interpreto penso en ells.” La seva versió es va convertir en un element fix de les seves actuacions en directe, i va ser una de les poques cançons del seu període disco que va mantenir en el seu espectacle A One Man Show (1981), on presentava la seva faceta més teatral i new wave.

El videoclip, creat amb tècniques de chroma key, reforçava la seva icona visual. Jones hi apareix primer amb un abric estampat amb roses i després es revela amb un vestit daurat mínim, ballant davant la famosa imatge de muntatge de 1978 que després es faria servir per a la portada del recopilatori “Island Life”. Les imatges la mostren com una figura andrògina i transgressora —valenta, sensual i sense complexos.

Si la “La Vie en rose” de Piaf parlava de veure l’amor com una salvació després del patiment, la de Grace Jones era una declaració de reinvenció i autonomia: prendre una chanson estimada i transformar-la en una obra atrevida, glamurosa i totalment seva. 

GRACE JONES - LA VIE EN ROSE

Released: October 1977

Album: Portfolio

Few songs carry the weight of a signature like Édith Piaf’s “La Vie en rose.” Written in 1945, as Europe was emerging from the wreckage of World War II, the song radiated hope and tenderness. Piaf’s lilting voice painted love as a lens through which the world could be seen in rose-colored hues. Released in 1947, it became her anthem—a song that distilled both the fragility and resilience of postwar France.

By 1950, “La Vie en rose” had crossed the Atlantic, where no fewer than seven versions charted in the US that year alone. Tony Martin, Bing Crosby, Dean Martin, Louis Armstrong—each put their spin on it. Armstrong’s version, in particular, gave the chanson an unmistakable jazz inflection.

Three decades later, a radically different voice would claim it again. In 1977, Grace Jones—then a Jamaican model newly signed to Island Records—recorded “La Vie en rose” for her debut album “Portfolio”. Where Piaf’s version floated with romantic sincerity, Jones reimagined it as a slow, sultry bossa nova, stretching the familiar melody into elongated phrasing that turned the chanson into something hypnotic and modern. Her interpretation wasn’t ironic, but it was daring—a transformation of a war-era torch song into a piece of avant-garde disco chic.

The single, released in late 1977, became Jones’s first international hit. In France and Italy, it went Gold; in the UK, it reached #12 when reissued in 1985 as a double A-side with her funk anthem Pull Up to the Bumper. In Spain and Mexico, it was cheekily marketed as “La Vida en Rosa”, though Jones never recorded a Spanish version.

Jones herself admitted the song was personal: “That’s a very special song to me. Oh God, I cry every time I sing it. I had quite a few French lovers, so every time I sing it I think about them.” Her rendition became a fixture of her live performances, one of the only tracks from her disco period carried into the 1981 A One Man Show, which showcased her more theatrical, new wave persona.

The music video, made with chroma key techniques, amplified her iconography. Jones appears first in a rose-patterned coat, then reveals herself in a skimpy gold dress, dancing against the famous 1978 montage image later used on the Island Life compilation cover. The visuals shows her as an androgynous, boundary-breaking figure—bold, sensual, unapologetic.

If Piaf’s La Vie en rose was about seeing love as salvation after suffering, Grace Jones’s version was about reinvention and self-possession—taking a beloved chanson and twisting it into something daring, glamorous, and uniquely her own. Between them, the song traveled across eras, continents, and genres.