JOCELYN BROWN – SOMEBODY ELSE’S GUY

Publicació: març de 1984

Llistes: Regne Unit: #13 · EUA: #75

Publicada el 1984, “Somebody Else’s Guy” es va convertir en l’èxit insígnia de Jocelyn Brown com a solista. Ella mateixa va coescriure i produir la cançó, que es caracteritza per una producció icònica post-disco i boogie, barrejant funk, soul i ritmes ballables. En el moment del seu llançament, el single va escalar fins al número 2 de la llista R&B dels EUA i al 75 del Billboard Hot 100. Al Regne Unit va gaudir d’un èxit més gran, arribant fins al Top 20.

Quan Jocelyn Brown va publicar “Somebody Else’s Guy” el 1984, no era una debutant buscant la seva veu —ja era una força vocal consolidada. Abans d’emprendre el camí en solitari, Brown havia estat una veu habitual a l’escena disco i post-disco de Nova York, posant la seva veu a grups com Musique, Inner Life i la Salsoul Orchestra. El seu timbre ric, format al gospel, la feia immediatament reconeixible, fins i tot quan era només una veu més dins d’un cor nombrós.

El cor del tema és la seva interpretació vocal. Poques cantants poden combinar poder i vulnerabilitat de manera tan convincent com ella. Explica la història d’estimar un home que ja pertany a una altra persona, amb una veu que s’eleva entre l’angoixa i la força. En lloc de dramatitzar el desamor, el canta amb una franquesa gairebé conversacional —com si confiés el seu dolor a una amiga davant d’una copa. Aquesta honestedat, unida a una secció rítmica pensada per a la pista de ball, és el que ha mantingut viva la cançó als clubs durant dècades.

El seu llegat va més enllà de l’original: CeCe Peniston en va fer una versió el 1998, que també va entrar al Top 15 britànic. A més, temes famosos com “The Power” de Snap! van samplejar la veu de Jocelyn d’una altra gravació. Mirant enrere, “Somebody Else’s Guy” és molt més que un bon groove—és una declaració d’identitat artística d’una de les grans heroïnes poc reconegudes del soul i la música de ball. Potser Jocelyn Brown mai no va ser un nom tan conegut com Aretha Franklin o Chaka Khan, però amb aquest single es va guanyar el seu propi racó a la història de la música.

JOCELYN BROWN - SOMEBODY ELSE’S GUY

Released: March 1984

Charts:  UK: #13    US: #75 

Released in 1984, “Somebody Else’s Guy” became Jocelyn Brown’s signature solo hit. She co-wrote and produced the song, which featured iconic post-disco and boogie-style production, blending funk, soul, and danceable rhythms. Upon its release, the single soared to No. 2 on the US R&B chart and claimed No. 75 on the Billboard Hot 100. In the UK, it achieved greater success, breaking into the Top 20. 

When Jocelyn Brown released “Somebody Else’s Guy” in 1984, she wasn’t a newcomer finding her voice — she was already a powerhouse. Before stepping out solo, Brown had been a go-to vocalist in New York’s disco and post-disco scene, lending her voice to groups like Musique, Inner Life, and the Salsoul Orchestra. Her rich, gospel-trained delivery made her instantly recognizable, even when she was just one voice in a crowded chorus.

At the heart of the song is Brown’s vocal performance. Few singers can straddle power and vulnerability as convincingly as she does here. She tells the story of loving a man who belongs to someone else, her voice soaring with both anguish and strength. Rather than dramatizing heartbreak, she sings it with a conversational directness — as if confiding in a friend over a drink. It’s that honesty, paired with a rhythm section made for the dance floor, that has kept the song alive in clubs for decades.

Its legacy spans beyond the original: CeCe Peniston covered it in 1998, also reaching the UK Top 15. Additionally, famed songs like “The Power” by Snap! sampled Jocelyn’s vocals from another track. Looking back, “Somebody Else’s Guy” is more than just a great groove — it’s a statement of artistic identity from one of the great unsung heroes of soul and dance. Jocelyn Brown may never have been a household name on the level of Aretha Franklin or Chaka Khan, but with this single, she carved out her own corner of music history.

 KOOL & THE GANG – TOO HOT

Publicació: 1 de gener de 1980

Llistes: Regne Unit: #23 · EUA: #5

A finals dels anys setanta, Kool & the Gang eren coneguts sobretot pels seus ritmes funk i himnes festius—peces plenes de vents i preparades per a la pista de ball que omplien clubs i festes de carrer. Però el 1979, en plena explosió del disco, van sorprendre els oients amb “Too Hot”, una balada reflexiva i amarada de soul que mostrava la cara més suau del grup. Publicada com a senzill el 1980, “Too Hot” va arribar al número 5 del Billboard Hot 100 i al número 3 de la llista R&B. Al Regne Unit va assolir el número 23. El tema també va obtenir la certificació d’Or.

Inclosa al seu primer àlbum que va vendre un milió de còpies, “Ladies’ Night”, la cançó contrastava de manera clara amb l’energia nocturna i festiva del tema principal. Mentre “Ladies’ Night” era una invitació al ball amb aire de disco-funk, “Too Hot” era un relat d’advertència—una meditació melancòlica sobre l’amor juvenil, el matrimoni i la dolorosa constatació que la passió no sempre equival a permanència.

Escrita pel bateria George Brown i produïda amb el mestre brasiler Eumir Deodato, “Too Hot” explica la història d’una parella que es va casar massa ràpid, arrossegada per la força del romanticisme. Ara, amb la flama apagant-se, es veuen obligats a afrontar el pes emocional d’un compromís assumit abans d’hora.

La lletra adopta un to conversacional, gairebé com una confessió entre amics, amb el tornaveu “Too hot, too hot, lady…” que funciona alhora com a lament i com a advertiment. A diferència dels himnes festius habituals de Kool & the Gang, aquest tema aposta per la vulnerabilitat—menys celebració, més penediment.

Musicalment, “Too Hot” respira soul i baladisme de tempesta emocional. La cançó substitueix les típiques explosions de vents del grup per teclats càlids, línies suaus de guitarra i ritmes delicats. L’arranjament deixa espai perquè la veu porti tot el pes emocional.

La narrativa i l’entrega plena de soul van convertir la peça en material idoni per a reinterpretacions:

• Coolio en va recuperar el tema el 1995, reelaborant-lo amb versos de rap per al seu àlbum “Gangsta’s Paradise”, connectant una nova generació amb el seu missatge agredolç.

• El 2004, Lisa Stansfield en va gravar una versió per al disc “The Hits: Reloaded”, aportant-hi la seva veu sedosa.

KOOL & THE GANG - TOO HOT

Released: January 1, 1980

Charts:  UK: #23  US: #5 

By the late 1970s, Kool & the Gang were known primarily for their funk grooves and party anthems—the kind of horn-driven, dancefloor-ready tracks that filled clubs and block parties. But in 1979, amidst the disco explosion, they surprised listeners with “Too Hot,” a reflective, soul-drenched ballad that revealed the band’s softer side. Released as a single in 1980, “Too Hot” reached #5 on the Billboard Hot 100 and #3 on the R&B chart. In the UK peaked at #23. The track also earned a Gold certification.

Featured on their first Platinum-selling album, “Ladies’ Night”, the song stood in stark contrast to the title track’s celebratory nightlife energy. While “Ladies’ Night” was a disco-funk invitation to dance, “Too Hot” was a cautionary tale—a melancholy meditation on young love, marriage, and the painful realization that passion doesn’t always equal permanence.

Written by drummer George Brown and produced with Brazilian maestro Eumir Deodato, “Too Hot” tells the story of a couple who married too quickly, swept up by romance. Now, with the flame dimmed, they’re left confronting the emotional toll of commitment made too soon.

The lyrics strike a conversational tone, almost like a heart-to-heart between friends, with the refrain “Too hot, too hot, lady…” doubling as both lament and warning. Unlike Kool & the Gang’s typical party anthems, the track leans into vulnerability—less about celebration, more about regret.

Musically, “Too Hot” is steeped in soul and quiet-storm balladry. The track trades in the band’s usual horn blasts for warm keyboards, smooth guitar licks, and gentle rhythms. The arrangement leaves room for the vocals to carry the weight.

The song’s narrative and soulful delivery made it ripe for reinterpretation.

• Coolio revisited the track in 1995, reworking it with rap verses for his “Gangsta’s Paradise” album, connecting a new generation to its bittersweet message.

• In 2004, Lisa Stansfield recorded a cover for “The Hits: Reloaded”, bringing her silky vocals to the song.

ROSE ROYCE – WISHING ON A STAR

Publicació: 29 de juliol de 1977

Llistes: Regne Unit: #3

Rose Royce van publicar “Wishing on a Star” el 1977, però no va ser un èxit clar de llistes. Inclosa dins del seu segon àlbum, “In Full Bloom”, la cançó només va arribar al número 52 de la llista R&B de Billboard i mai va entrar a les llistes de pop dels EUA. En canvi al Regne Unit es va enfilar fins al número 3 de la UK Singles Chart. Tot i això, amb les dècades s’ha convertit en una de les seves balades més estimades—un clàssic lent i persistent que ha superat amb escreix la seva recepció inicial.

Escrita per Billie Rae Calvin, antiga membre de The Undisputed Truth, la balada havia estat pensada inicialment per a Barbra Streisand. Streisand la va rebutjar, i el productor Norman Whitfield, famós per haver donat forma a l’era del soul psicodèlic de Motown, va dirigir-la cap a Rose Royce. Amb la veu principal planyívola de Gwen Dickey, la cançó es va transformar en una confessió fràgil de penediment i desig: una dona que espera recuperar un amant que s’ha allunyat.

“Wishing on a Star” s’allunya dels himnes plens de funk que havien fet famosos Rose Royce, com “Car Wash”. En lloc d’això, és una peça pausada i etèria, construïda sobre cordes delicades i un acompanyament instrumental contingut que deixa espai perquè brilli la vulnerabilitat de Dickey. Mentre tantes balades busquen grans clímax, aquesta es manté en una melancolia suspesa, com si la cantant mateixa estigués a la deriva, deslligada, buscant una reconciliació que potser mai arribarà.

La vida posterior del tema diu tant com l’original. Des de la versió ballable de les Cover Girls el 1992, fins a la reinterpretació elegant de Beyoncé el 2005 (que li va valer una nominació al Grammy), o la versió plena de soul de Seal el 2011, la cançó ha demostrat ser infinitament adaptable. Fins i tot el hip-hop li va trobar un lloc quan Jay-Z la va samplejar el 1998. Cada reinvenció subratlla l’atemporalitat de la lletra de Calvin i de la producció subtil de Whitfield.

ROSE ROYCE - WISHING ON A STAR

Released: July 29, 1977

Charts:  UK: #3 

Rose Royce released “Wishing on a Star” in 1977, but it wasn’t an obvious chart hit. Nestled in their second album “In Full Bloom”, the song peaked modestly at No. 52 on the Billboard R&B chart and never cracked the US pop charts. Instead in the United Kingdom it climbed to number 3 on the UK Singles Chart. Yet over the decades, it has become one of their most beloved ballads — a slow-burn classic that has outlived its initial reception.

Written by Billie Rae Calvin, a former member of The Undisputed Truth, the ballad was originally intended for Barbra Streisand. Streisand passed, and producer Norman Whitfield, famous for shaping Motown’s psychedelic soul era, steered it instead toward Rose Royce. With Gwen Dickey’s aching lead vocal, the song transformed into a fragile confession of regret and longing, a woman hoping to win back a lover who has drifted away.

“Wishing on a Star” stands apart from the funk-driven anthems Rose Royce were known for, like “Car Wash.” Instead, it’s unhurried and spacey, built around delicate strings and restrained instrumentation that leaves room for Dickey’s vulnerability to shine. Where so many ballads reach for climaxes, this one hovers in suspended melancholy, as if the singer herself is drifting, untethered, in search of reconciliation that may never come.

Its afterlife is just as telling as the original. From the Cover Girls’ dancefloor-ready 1992 version to Beyoncé’s sleek 2005 reinterpretation (which earned her a Grammy nomination), to Seal’s soulful 2011 take, the song has proved endlessly adaptable. Hip-hop even found a place for it when Jay-Z sampled it in 1998. Each reinvention underscores the timelessness of Calvin’s lyric and Whitfield’s understated production.

AMY WINEHOUSE – REHAB

Publicació: 23 d’octubre de 2006

Llistes: Regne Unit: #7 · EUA: #9

Quan Amy Winehouse va publicar “Rehab” l’any 2006, va destil·lar les seves lluites amb la fama, l’amor i l’addicció en un refrany desafiant de tres paraules: “No, no, no.” Escrita en cinc minuts mentre caminava amb el productor Mark Ronson, la cançó era autobiogràfica fins a la medul·la, relatant la seva negativa a entrar en tractament tot i la insistència del seu equip de representants.

La seva crua honestedat, combinada amb una producció de soul retro ple de metalls, va convertir el turment personal en cultura pop global. El tema va entrar al Top 10 a banda i banda de l’Atlàntic i es va convertir en l’únic gran èxit de Winehouse als EUA, consolidant-se com el seu himne més emblemàtic.

La lletra destil·la franquesa i enginy: “Preferiria estar a casa amb en Ray”, diu, fent un gest a Ray Charles, alhora que esmenta Donny Hathaway com un altre mestre vital. Però darrere d’aquesta ironia hi havia una veritat més fosca: la relació de Winehouse amb l’alcohol i les drogues s’estava descontrolant. El seu pare, que en aquell moment minimitzava públicament la gravetat del seu consum, va justificar la decisió de no enviar-la a rehabilitació amb la frase: “No pots anar a rehabilitació per estar amb el cor trencat.” Una frase que amb el temps es recordaria amb amargor.

Als 50ns Premis Grammy, “Rehab” va triomfar, enduent-se el guardó a Enregistrament de l’Any, Cançó de l’Any i Millor Interpretació Vocal Pop Femenina. Però l’aclamació es veia entelada pel deteriorament de Winehouse. Sí que va passar per diversos centres, com el ja desaparegut Causeway Retreat a Essex, però mai hi va arrelar. Quan va morir, el juliol del 2011, la cançó havia adquirit una trascendència tràgica—ja no era només una defensa descarada, sinó una profecia no escoltada.

El videoclip, dirigit per Phil Griffin, jugava amb aquesta ironia. Filmat dins d’una majestuosa casa londinenca, alternava imatges de Winehouse en una consulta psiquiàtrica amb escenes de la seva banda en barnús, i culminava amb una imatge austera d’ella en una sala clínica de rehabilitació. El que havia començat com una pastitxada de Motown enganxosa acabava convertint-se en un dels autoretrats més colpidors de la música popular.

AMY WINEHOUSE - REHAB

Released: October 23, 2006

Charts:  UK: #7   US: #9 

When Amy Winehouse released “Rehab” in 2006, she distilled her battles with fame, love, and addiction into a defiant three-word refrain: “No, no, no.” Written in five minutes while walking with producer Mark Ronson, the song was autobiographical to the bone, recounting her refusal to enter treatment at the urging of her management. 

Its raw honesty, paired with a brassy retro-soul production, transformed personal turmoil into global pop culture. The track climbed into the Top 10 on both sides of the Atlantic and became Winehouse’s only US Top 10 hit, becoming her signature anthem.

The lyrics brim with candor and wit—“I’d rather be at home with Ray,” she quips, nodding to Ray Charles, while name-checking Donny Hathaway as another teacher of life. Behind the cheek, though, lay a deeper truth: Winehouse’s relationship with alcohol and drugs was spiraling. Her father, who publicly minimized the severity of her drinking at the time, once justified the decision not to send her to rehab, saying, “You can’t go into rehab for being lovesick.” That line would echo bitterly in hindsight.

At the 50th Grammy Awards, “Rehab” triumphed, winning Record of the Year, Song of the Year, and Best Female Pop Vocal Performance. Yet the acclaim was shadowed by Winehouse’s unraveling. She did enter facilities, including the now-shuttered Causeway Retreat in Essex, but the stays never held. By the time of her death in July 2011, the song had taken on tragic resonance—less cheeky defiance than prophecy unheeded.

The music video, directed by Phil Griffin, leaned into the irony. Shot inside a grand London townhouse, it juxtaposed images of Winehouse slouched in a psychiatrist’s office with scenes of her band in bathrobes and a stark final image of her in a clinical rehab ward. What began as a catchy Motown pastiche ended as one of the most haunting self-portraits in popular music.